На главную страницу

Написать письмо

Карта сайта

Главная
Художники
Последние поступления
Архив
Хронология
Живопись
Скульптура
Графика
Фотография
Портрет
Новости галереи
Выставки и проекты
Издательская деятельность
Критика и комментарии
Партнеры
СтартАп Форум
Контакты
Купить картину, скульптуру
Залы галереи
Схемы проезда
Анонс: ВАЛЕНТИН РЯБОВ - фотоарт; СЕРГЕЙ НЕБЕСИХИН - русский реалистический пейзаж; СЕРГЕЙ СОРОКИН - «Широка страна моя родная!»; СВЕТЛАНА ВАЛУЕВА - проект «Мандала»; ЕКАТЕРИНА ГРИГОРЬЕВА - постоянная экспозиция в залах галереи;

Новости культуры

Страницы: [1] [2] [3]

Иллюстрации Михаила Шемякина к стихам и песням Владимира Высоцкого можно увидеть в Русском музее.

На экспозиции представлено 42 иллюстрации Михаила Шемякина к стихам и песням Владимира Высоцкого, среди которых «Спасите наши души», «Райские яблоки», «Набат», «Смерть истребителя», «В плен—приказ: не сдаваться...» и другие, а также 12 эскизов, 6 фотографий В. Высоцкого и М. Шемякина в исполнении П. Бернара и М. Шемякина, рукописи и два письма поэта.
Выставка приурочена к выходу в свет книги Михаила Шемякина «Две судьбы», издательства «Вита Нова», в которой объединены тексты песен Владимира Высоцкого, иллюстрации к ним и воспоминания художника о дружбе с поэтом.


Москву посетит передвижная выставка "Гений да Винчи", посвященная творческому наследию великого Мастера.

Крупнейшая передвижная выставка, посвященная творческому наследию Леонардо да Винчи, откроется 1 марта и продлится до конца июня 2012 года.
На выставке будут представлены наброски, чертежи, репродукции самых известных живописных работ, а также около 65 механизмов, придуманных да Винчи и восстановленных по его дневникам. Объекты, среди которых прототипы велосипеда, подшипника, парашюта и многие другие изобретения, разместятся на площади 1,4 тысячи квадратных метров. Часть объектов выполнены из материалов, доступных при жизни Леонардо.
Отдельный раздел выставки под названием "Секреты Моны Лизы" посвящен изобретению инженера Паскаля Котте - 240-мегапиксельной мультиспектральной фотокамере, с помощью которой можно не только сканировать картину, но и виртуально снимать слои лака. Это изобретение позволяет исследователям понять, как выглядела картина сразу после того, как она была закончена.
На создание выставки "Гений да Винчи" ушло около 10 лет. Над воспроизведением того, что придумал да Винчи, работали специалисты из итальянской ассоциации "Антропос" (Anthropos Association of Italy) и компании "Гранде Экзибишнз". В России выставка проходит при содействии Министерства культуры РФ.
В настоящий момент экспозиция находится в Санкт-Петербурге, где она пробудет до 19 февраля. В Москве выставка откроется в Арт-Центре "Ветошный".


В Австрии на месте старой постройки семнадцатого века теперь можно увидеть современную адаптацию церкви имени Мартина Лютера.

Здание являет собой интерпретацию массивного стола со своей столешницей и ножками. Витиеватость форм крыши заимствована в романском стиле. По словам архитектора Wolf D. Prix из бюро COOP HIMMELB(L)AU: "геометрия старого здания была переведена в архитектуру сегодняшнего дня и отображает наш современный цифровой мир".


Новая станция московского метро "Волхонка" может стать своеобразным подземным "выставочным залом" ГМИИ им. А.С. Пушкина.

Как сообщили в Метрогипротрансе, станция "Волхонка" запроектирована в центре исторического квартала Москвы: вблизи Храма Христа Спасителя, Пушинского музея и проектируемого в настоящее время комплекса зданий музея.
"Основой композиции платформенной части станции являются скульптуры и живописные полотна из собраний Государственного музея изобразительных искусств. Проект станции, помимо решения основной транспортной задачи, направлен на популяризацию богатейшего уникального собрания музея, широкого культурного и исторического воспитания жителей Москвы и всей России",- отметили в проектной организации, добавив, что "художественное оформление станции предполагается выполнить при поддержке самого музея за счет федерального бюджета". Скульптуры и картины будут, конечно же, копиями.
Станция "Волхонка" станет одной из трех станций глубокого заложения участка Калининско-Солнцевской линии от "Третьяковской" до "Делового центра". Этот участок запроектирован для обеспечения транспортного обслуживания жителей западного сектора города, крупного градостроительного комплекса "Москва-Сити", а также для снижения загрузки юго-западного участка Сокольнической линии, перегонов и пересадочных узлов центральных участков линий.
Станция "Волхонка" - пересадочная с существующей станцией "Кропоткинская" Сокольнической линии разместится под Соймоновским проездом и перекрестком улиц Волхонка, Пречистенка, Остоженка у Гоголевского бульвара. Станционный комплекс включает в себя подземный вестибюль с выходом к памятнику Фридриху Энгельсу на улицу Остоженка и в существующий подземный подходной коридор западного вестибюля станции Кропоткинская; пересадочный подземный пешеходный коридор вдоль улицы Волхонка, с выходом к Храму Христа Спасителя и с входом в восточный вестибюль станции Кропоткинская; подходной подземный коридор из восточного вестибюля станции Кропоткинская в проектируемый в настоящее время комплекс зданий ГМИИ им. А.С. Пушкина.


Выставка картин известного британского художника Люсьена Фрейда открылась в Национальной портретной галерее британской столицы.

Одним из интереснейших объектов экспозиции станет последнее - незавершенное - полотно под названием "Портрет собаки", ранее никогда не выставлявшееся на публике.
Фрейд скончался в июле 2011 года на 89-м году жизни. На протяжении последних нескольких лет он лично принимал участие в организации открывшейся выставки.
Ретроспектива из 130 работ признанного мастера портретной живописи и обнаженной натуры показывает эволюцию его творческого стиля за семь десятилетий, начиная с 40-х годов прошлого столетия.
На экспозиции представлены редко демонстрируемые и культовые портреты в исполнении Фрейда, запечатлевшие его семью, друзей и любовниц. "Картины Фрейда - это воплощение в краске отношений между художником и моделью, которые медленно развивались с течением времени", - отметила куратор галереи Сары Хаугейт.
"Я всегда хотел создать драму в своих картинах - именно поэтому я изображаю людей, - признавался художник. - Именно люди привносят драму в картины. Простейшие человеческие жесты рассказывают истории".
Среди представленных на экспозиции произведений Фрейда посетители смогут увидеть одну из самых дорогостоящих его картин - "Спящая соцработница". В 2008 году она "ушла с молотка" на аукционе "Кристис" за 33,6 млн долларов, на тот момент установив рекорд стоимости за полотно живущего мастера (куплена Романом Абрамовичем). Портрет пышнотелой натурщицы Сью Тилли был передан в Национальную портретную галерею из частной коллекции на время выставки.
Также среди моделей, позировавших Фрейду, были его мать Люси, дочь Бэлла, художники Франк Ауэрбах, Фрэнсис Бэкон, Дэвид Хокни, а также барон Ротшильд и многие другие. В 2001 году живописец также написал портрет Елизаветы II, однако в настоящее время картина путешествует по городам страны в рамках передвижной выставки в честь бриллиантового юбилея / 60-летия/ пребывания королевы на троне и вернется в столицу лишь в мае.
Часть картин для экспозиции были предоставлены из коллекций таких музеев, как лондонская галерея Тейт, нью-йорский Музей современного искусства, а также из собрания Британского совета, Института искусств в Чикаго.
Выставка под названием "Портреты Люсьена Фрейда" продлится до 27 мая и претендует на звание одного из главных культурных событий года в Великобритании.


В ГМИИ им.Пушкина до 15 января 2012 года впервые в России проходит выставка ранних работ Василия Кандинского.

Три десятка работ Василия Кандинского периода 1902-1911 годов и столько же картин других участников объединения "Синий всадник" впервые представлены в России на экспозиции в ГМИИ им. Пушкина, рассказала на пресс-конференции куратор выставки Наталья Автономова.
На выставке представлены работы из уникального собрания мюнхенской галереи Lenbachhaus. Все выставленные работы Кандинского были подарены мюнхенской галерее Lenbachhaus его ученицей и возлюбленной Габриэллой Мюнтер, с которой он вместе жил в столице Баварии до начала Первой мировой войны.
"Выставка "Синий всадник" знакомит с интересным периодом творчества Кандинского, когда он от ученических работ, аккумулируя достижения французского фовизма и немецкого экспрессионизма, переходит к абстракционизму, от предметного к абстрактному", - пояснила Наталья Автономова.
По словам куратора, о такой выставке лидер абстракционизма мечтал еще сто лет назад, говоря о том, что ему хотелось бы видеть работы "Синего всадника" в Москве, городе, который он очень любил и называл "мой живописный камертон".
Как рассказал журналистам влюбленный в Кандинского директор галереи Lenbachhaus Хельмут Фридель, смотреть представленные на выставке работы художника, надо забыв все, что о нем знаешь. "Надо просто наслаждаться цветом, картинами. Например, его работа "Разноцветная гора" - сначала даже непонятно, что там гора изображена, но, глядя на это полотно, чувствуешь, как хлещет буйная жизненная энергия, ощущаешь, как прекрасна жизнь. Кандинский пытался создать тот язык, который можно понять не разумом, но душой", - пояснил он.
Важнейшей особенностью участников "Синего всадника", по мнению Фриделя, было то, что они не призывали следовать какому-то одному стилю, а старались объединить разные.
По его словам, абстракция Кандинского отличается от абстракции Мондриана или Малевича, так как художник стремился воплотить что-то, что существует за реальностью - некую духовную реальность.
Свою задачу участники "Синего всадника" видели в развитии новых форм искусства вне зависимости от какого-либо канона: так же, как и представители раннего экспрессионизма группы "Мост", работы которых недавно экспонировались в ГМИИ, они тяготели к беспредметности, к синтезу примитивного и современного искусства. Сфера влияния "Синего всадника" не ограничивалась Мюнхеном и Берлином, а распространилось и на Швейцарию, где во время Первой мировой войны сгруппировалась пацифистски настроенная эмиграция.
Габриэла Мюнтер была ученицей и близкой подругой Кандинского с 1904 года. Обещая жениться на ней, художник так своего слова и не сдержал: накануне войны он уехал из Германии, оставив на ее попечение свои работы и бумаги. Вплоть до 1921 года, до его возвращения в Мюнхен с юной женой Ниной, Габриэла ничего о нем не слышала, не знала, жив он или нет, но тщательно оберегала все наследие художника. Когда же он наконец объявился, разъяренная изменой и равнодушием художника, который все эти годы не давал о себе знать, Мюнтер отказалась вернуть картины. Пять лет длились судебные разбирательства Кандинского с его немецкой подругой, которая в итоге одержала верх. Художник отказался от всех притязаний на свои вещи, попросив вернуть лишь велосипед. Вплоть до 1957 года Мюнтер тщательно берегла наследие, отказываясь продать даже одну работу в самые тяжелые времена, и в день своего 80-летия подарила все галерее Lenbachhaus, которой теперь принадлежит самое большое в мире собрание художников "Синего всадника".


Московский Государственный Музей "Дом Бурганова" представляет творчество выдающегося русского скульптора Александра Николаевича Бурганова.

Бурганов -  художник с мировым именем. Его произведения украшают площади городов Европы, Америки, Азии и хранятся в коллекциях крупнейших музеев.
Особое архитектурно-художественное пространство, спроектированное и созданное самим скульптором и особая сценография пространства привлекают и удивляют посетителей музея. Здесь находится не только экспозиция работ Бурганова, но и мастерская, творческий процесс в которой продолжается. Она раскрывает романтический мир современного художника, атмосферу рождения художественного произведения.
Здесь представлены произведения Александра Бурганова, работы его друзей и учеников. В экспонируемых личных коллекциях художника - искусство античной классики, русская средневековая скульптура и народное творчество, искусство Западной Европы и Африки, уникальные книги и гравюры - все то, что составляет мир художника, который он создает вокруг себя. А.Н. Бурганов – один из основателей российской школы архитектурно-декоративной пластики. За почти полувековой период преподавания А. Н. Бурганов воспитал целую плеяду выдающихся художников и скульпторов, среди которых Народные и Заслуженные художники России, академики, лауреаты международных и российских государственных премий. Александр Бурганов сформировал особое направление в отечественном монументальном искусстве, общепризнанное его многочисленными учениками, последователями и искусствоведами как «бургановская школа композиции». Это направление затронуло не только монументальную и станковую скульптуру, но и живопись, декоративно-прикладные искусства, графику.
А.Н. Бурганов выполнил целый ряд значительных монументов, определивших центры и пространственные структуры многих крупных городов. Среди них Монумент в честь освобождения города Орла; памятник Героям-комсомольцам Орловщины; монумент «Дружба народов» в честь воссоединения России и Удмуртии в г. Ижевске; памятник Героям Халхин-Гола в Монголии; памятник И.Бунину в Воронеже; памятник А.Пушкину в Ижевске; памятник «Русский поэт Александр Пушкин» в Вашингтоне (США); монументальная композиция «Юрий Гагарин » для ЭКСПО-86 в Ванкувере (Канада); монументальная композиция «Война и мир» для Дворца европейских конгрессов в Аахене (Германия); памятник Софье Перовской в Калуге; памятники русским воинам в Льеже Лувене, Морше-о-Понт (Бельгия), памятники российскому Императору Александру I и бельгийскому Королю Леопольду I в Брюсселе (Бельгия)  и др.
Скульптуры А.Н. Бурганова являются украшением нашей Столицы. Это полюбившиеся москвичам памятник «А.Пушкин и Натали» и фонтан «Принцесса Турандот», установленные на Старом Арбате; памятник М.Ю.Лермонтову; памятник И. Бунину; памятник основательнице Академии музыки Е.Ф. Гнесиной - общепризнанный одним из красивейших в Москве; скульптурные парковые ансамбли Украинского бульвара и Сивцева Вражка; галерея «Люди-легенды»р с портретами наших великих соотечественников, составивших славу русской культуры – Тарковского, Нуриева, Бунина и др.; рельефы храма Христа Спасителя; скульптурный ансамбль Детского музыкального театра, монументальная композиция «Россия молодая» перед зданием Центрального дома художников; статуя «Победа» перед зданием ГТГ; эмблема Центрального Дома кино; скульптурное оформление станций московского метрополитена «Братиславская», «Люблино», «Третьяковская», где представлена галерея портретов великих русских художников,  и многие другие.
Произведения Александра Николаевича Бурганова хранятся Московском государственном музее «Дом Бурганова», в Государственной Третьяковской галерее (Москва), в Государственном  музее изобразительных искусств им. А.С. Пушкина (Москва), в Государственном Русском музее (Санкт Петербург), в Музее современного искусства «Людвиг Форум» (Аахен, Германия), в Государственном музее изобразительных искусств Монголии (Улан-Батор), в Государственном музее изобразительных искусств Софии (Болгария), в Собрании современной скульптуры г. Аранжеловец (Югославия), в Королевском музее Брюсселя (Бельгия), в Собрании изобразительного искусства Дворца Наций ООН (Женева, Швейцария), а так же в других государственных и частных собраниях России, Франции, США, Германии, Бельгии.
Творческой мастерской А.Н.Бурганова присвоен статус государственного музея. Александр Николаевич Бурганов создал архитектурно-скульптурный ансамбль всего музейного комплекса и передал в дар городу целый ряд коллекций, среди которыхпроизведения монументального и станкового искусства скульптуры, живописи, графики, исторических автографов, редких книг и др.


Выставка "Принцип удовольствия" сюрреалиста Рене Магритта, одного из самых популярных и известных художников ХХ века, пройдёт в залах венской "Альбертины" с 9 ноября до 26 февраля 2012г.

В Бельгии, откуда родом художник и где недавно открылся его музей, осталось не так много произведений мастера - они распылились по мировым частным и музейным коллекциям. Поэтому организаторам выставки в Австрии пришлось приложить немало усилий, чтобы собрать порядка 150 произведений, отражающих все этапы творчества Магритта.
Так, например, картина "Любовники" 1928 года прибыла из нью-йоркского Музея современного искусства (МоМА), а "Дух геометрии" 1937 года - из лондонской галереи Тейт.
Концепция выставки, которая раскрывает малоисследованные аспекты жизни и художественной практики Магритта, разрабатывалась совместно с сотрудниками Тейт Ливерпуль. Акцент делается на манере использовать плоскостные изображения для объемной формы, как в картине "Поцелуй" 1951 года, где силуэт голубя напоминает наложенный на морской пейзаж трафарет, повторяющиеся предметы, а также теме сокрытия, разоблачения и эротики.
Основываясь на наиболее важных полотнах художника и его ранних коммерческих работах, выставка проводит параллели между живописью и произведениями, которые он, испытывая влияние поп-культуры, делал для рекламной индустрии.
Помимо живописи, в экспозиции можно увидеть рисунки и коллажи Магритта, а также редко показываемые фотографии и фильмы.


С 4 октября до 29 января 2012г. в Национальном музее Финляндии (г. Котка) проходит выставка «Илья Репин и его знаменитые ученики».

В экспозиции представлено 27 произведений живописи из собрания Государственного Русского музея. Среди них картины Ильи Репина - крупнейшего русского художника-реалиста - и произведения студентов его мастерской в Академии Художеств, ставших выдающимися живописцами: Бориса Кустодиева, Николая Рериха, Филиппа Малявина, Анны Остроумовой-Лебедевой, Николая Фешина, Ивана Куликова.
Еще при жизни Репин превратился в мифологическую фигуру. Его искусство стало предметом огромной зрительской любви и бурных критических полемик. Параллельно с ним творили такие великие живописцы, как Иван Крамской, Николай Ге, Василий Суриков и Виктор Васнецов, однако именно Репин оказался во главе реализма – важнейшего движения в искусстве второй половины XIX века – и стал его символом.
«Академии везде соответствует бездарность и антихудожественность. Все здоровые отпрыски искусства идут помимо академий», - утверждал Репин на заре своей карьеры, решительно порывая с воспитавшей его Академией Художеств. Но логика художественного процесса привела к тому, что ему было суждено стать центральной фигурой реформированной в 1893 году Академии и отдать преподаванию в ней почти пятнадцать лет. Отвечая тем, кто осуждал его союз с Академией, Репин вопрошал: «Передвижники не завели ни одной школы учеников за 20 лет! Где же учиться прикажете русской молодежи?»
Молодежь училась у Репина, чей авторитет и популярность были ни с чем не сравнимы. Через его мастерскую в Академии прошли многие живописцы, оставившие яркий след в искусстве 1890-х годов и первых десятилетий ХХ века. Многие из них глубоко усвоили репинские взгляды на живопись и в дальнейшем пошли по его пути: Борис Кустодиев и Филипп Малявин, Иван Куликов и Николай Фешин. Были и те, кому оказались ближе принципы «Мира искусства» - главного оппонента передвижников: Игорь Грабарь и Константин Сомов, Анна Остроумова-Лебедева и Николай Рерих. Однако и те, и другие всегда подчеркивали важнейшую роль Репина в их творческой биографии.
Для помощи в работе над грандиозным полотном «Торжественное заседание Государственного совета 7 мая 1901 года, в день столетнего юбилея со дня его учреждения» (1903) Репин выбрал двух учеников – Куликова и Кустодиева. На выставке представлены как блестящие репинские этюды к этой картине, так и этюд кисти Кустодиева или Куликова (сам Репин признавался, что порой не мог различить свои и кустодиевские этюды к «Государственному совету»).
Даже эта небольшая экспозиция дает возможность ощутить всю энциклопедическую широту репинского творчества: от чрезвычайно редкого для него натюрморта «Яблоки и листья» (1879) до вызвавшего разноречивые суждения монументального полотна «Какой простор!» (1903). И все же в природе репинского творчества всегда лежит портретность («Портрет писательницы Наталии Борисовны Нордман-Северовой (1863-1914), жены художника», «Портрет Юрия Ильича Репина (1877-1954), сына художника», оба – 1905). В его картинах всегда ощутимы рука и глаз портретиста.
Эти качества репинского искусствопонимания в наибольшей степени воспринял и развил Кустодиев. Он взял от Репина широту взгляда на мир и опору на музейную традицию, но его одаренность не сводилась к репинскому влиянию. Лирическая интонация, не характерная для его учителя, звучит в композиции Кустодиева «Утро» (1904). Экстравагантная композиция «Портрета скульптора и живописца Дмитрия Семеновича Стеллецкого (1875-1947)» сближает его с «Миром искусства», а «Портрет художника Ивана Яковлевича Билибина (1876-1942)» (оба – 1901) свидетельствует и о европейских ориентациях Кустодиева.
Малявин почувствовал и «возвел в степень» фактурную энергию Репина, дар живописного натиска. Этот дар и подлинное «репинское» мастерство позволили ему в импровизационной этюдной манере достичь абсолютного внешнего сходства в портретах однокурсников («Портрет художника Константина Андреевича Сомова (1869-1939)», «Портрет художника Игоря Эммануиловича Грабаря (1871-1960)», оба - 1895).
Фешин был среди тех живописцев «новой волны», которые стремились быть «неореалистами», искавшими в обыденной жизни невидимое мистическое начало («Портрет художника Константина Михайловича Лепилова (1879-1941)», 1909). Еще дальше от реализма отстояло творчество Рериха. Он высоко оценивал мастерство Репина, однако «великим учителем жизни» называл не его, а пейзажиста Архипа Куинджи. Современность Рериха не волновала, и картины «Сходятся старцы» (1898) и «Славяне на Днепре» (1905) пронизаны таинственным духом древности.
Картины Репина и его учеников – Фешина и Малявина, Кустодиева и Рериха – достаточно полно представляют многообразие поисков и открытий в русском искусстве рубежа веков, и в этом можно убедиться на экспозиции.


11-я Лионская биеннале современного искусства открылась в сентябре.

Куратором биеннале в этом году стала Виктория Нуртурн, а тема биеннале звучит как "Родилась ужасная красота". Биеннале продлится до 31 декабря.
Тема «Родилась ужасная красота» повторяет строку Йейтса из стихотворения Easter, 1916 («Пасха 1916 года») и ставит вопрос о возможности «неужасной» красоты сегодня — красоты, которая не являлась бы началом террора (как у Р.М. Рильке).
Для проекта было приглашено 70 художников из Европы, Африки и Латинской Америки. Их работы будут показаны на четырех выставочных площадках. Куратор выставки Виктория Нуртурн настояла на том, чтоб биеннале собирала не представителей своих стран и регионов, а отдельных авторов, чьи работы «должны вступать на выставке в диалог». По мнению Нуртурн, «Художник – прежде всего политический субъект, а искусство – и есть политика», именно поэтому биеннале может быть исключительно авторской.
Лионская биеннале посвящена теме воображения и его освободительного потенциала, возможности помыслить иные миры и пониманию сложности реальности, возможному только при соблюдении дистанции между искусством и самой реальностью.


Проект «Заложники пустоты» в Третьяковской галерее на Крымском валу (24 сентября — 13 ноября 2011).

На одной из площадок IV Московской международной биеннале современного искусства совершается попытка показать то, чего нет. В Третьяковской галерее на Крымском валу открылся специальный проект - «Заложники пустоты».
Пустота таит в себе бесконечное количество возможностей. Одна из них позволяет воспользоваться ею как изобразительным методом. Художники поняли это еще в конце XIX века, а в XX – пустота заняла большую часть пространства полотна, постепенно став самостоятельным объектом для художника. Множество примеров – на специальном проекте Московской биеннале.
«Работа Немухина «Пляж», честно говоря, вызывает у меня смутное чувство тревоги, - говорит галерист Татьяна Проворова. – Возможно, именно потому, что экзистенциальная пустота представлена там отсутствием моря – на ней не изображено моря и то, что это пляж понятно только из ее названия».
Эксперименты с пространством группы «Колллективные действия» Андрея Монастырского соседствуют с привычными классическими пейзажами и заново открытыми работами 20-х годов – как «Небо и окурок» Сергея Лучишкина.
«В центре этой работы вы видите совершенно пустое пространство, это – след человека, отсутствующего персонажа», – говорит куратор выставки Кирилл Алексеев.
Ассами в исследовании пустоты искусствоведы признают московских концептуалистов – в 70-х Виктор Пивоваров показывает, как автор может минимально вмешаться в пространство полотна, а Илья Кабаков создает серию «На серой бумаге»
«Идея в том, чтобы вы умели вглядываться в произведения, – говорит Алексеев. – Малейшие отличия цветового колера вы тут различаете при опять же внимательном рассмотрении – он заставляет зрителя смотреть».
Надпись, сделанная с помощью пыли – она тоже о пустоте. Эту работу Анатолий Осмоловский с большим успехом показывал в 2001 году в Антверпене. По словам художника, «идея этой конкретной работы заключается в том, что люди прошли, походили по выставке, подняли пыль, и она осела в виде фраз».
Исследовать пустоту предлагают и фотографы – чистые листы могут стать выражением социального протеста. А могут просто предложить подумать о бесконечном количестве возможностей, скрытых в идеально белом пустом листе бумаги.


Проект знаменитого британского художника Энтони Гормли "Во весь рост. Античная и современная скульптура" в Эрмитаже с 24 сентября 2011 г. по 15 января 2012 г.

Лауреат Тернеровской премии Энтони Гормли известен своими работами, появляющимися в неожиданных местах и необычном виде - от "Ангела Севера", который встречает путешественников на въезде в Ньюкасл, до недавней акции с живыми скульптурами на Трафальгарской площади в Лондоне и проектом из 100 скульптур в человеческий рост, разбросанных по всему миру в труднодоступных местах.
Выставка занимает в Эрмитаже два зала. В Римском дворике скульптор расставил свои работы последних двух лет: будто составленные из кубиков восемь фигур людей, которые приняли самые разные позы. По словам художника, это позволяет "описать пространство, занимаемое человеческим телом в евклидовой геометрии архитектуры".
В зале Диониса Эрмитаж согласился пойти под руководством британского скульптора на эксперимент. Для этого проекта Гормли отобрал из экспозиции музея девять античных статуй, которые он спустил с постамента на пол и расставил, нарушив привычную симметрию музейной экспозиции. Как считает сам художник, тем самым зритель может на равных посмотреть на богов. "Это возможность взглянуть на античные фигуры как на объекты, которые существуют в нашем мире, абстрагировавшись от истории их создания", - добавил художник.
"Выставка важна для нас в процессе осмысления того, как современное искусство соотносится с классическим, и как их показывать вместе", - заявил на пресс-конференции директор Эрмитажа Михаил Пиотровский.
Художник отметил, что работа над проектом в Эрмитаже шла очень напряженно, но он доволен результатом. Он также добавил, что выбор античных фигур и их расстановка привнесли определенный эротический подтекст в его "эрмитажный проект".
Британский художник, получивший образование как антрополог, подчеркнул, что для него в процессе создания скульптуры крайне важным является чувство тела. Именно поэтому свои работы он создает, обернувшись в пищевую пленку, затем покрытую слоем глины, со слепков собственного туловища. Далее на компьютере производится трехмерный анализ получившейся фигуры, которая и становится основой для итоговой скульптуры.
"Скульптура - это способ взаимодействия с материальным миром. И для моего сознания самое непосредственное воплощение материи - это мое тело ", - заявил художник.
Создающий не только скульптуры, но и инсталляции Гормли считает главным в искусстве энергию, возникающую между произведением и зрителем. "В каком-то смысле я хочу демократизировать искусство, поместив свои объекты в живое пространство", - заявил британский художник, признавшись, что спокойно относится, когда, например, на его скульптуры надевают шляпу или прочие предметы гардероба.
"Эта выставка в античных залах музея заставляет современную и классическую скульптуру говорить по-новому. Нам предстоит увидеть, как посетители оценят этот новый язык", - подвел итог новому выставочному опыту Михаил Пиотровский.
Два года тому назад Энтони Гормли уже привозил в Москву свой проект "Поле притяжения", представленный в ЦСК "Гараж". Кроме того, в прошлом году одну из своих скульптур он выставлял в Эрмитаже. Также в 2009 году обсуждалось участие Гормли в 3-й Московской биеннале современного искусства: художник планировал поставить фигуры в человеческий рост на крышах Москвы.


Подземные резервуары для топлива станут филиалом лондонской галереи современного искусства «Тейт Модерн».

Два подземных резервуара для хранения топлива вместят в себе новое выставочное пространство галереи современного искусства «Тейт Модерн» (Tate Modern) к началу Олимпийских игр 2012 года в Лондоне.
На расширение галереи было выделено 216 миллионов фунтов стерлингов, полностью его планируется завершить к 2016 году.
Резервуары, которые не использовались с 1981 года, когда ТЭЦ, предшественник галереи в этом здании, прекратила свою работу, вместят в себя кинозалы, дискуссионные площадки, экспозиционные залы для инсталляций и перформансов.
Следующим этапом развития центра современного искусства станет строительство нового здания, спроектированного швейцарским бюро Herzog & de Meuron, которое увеличит выставочные возможности галереи на 70%.
«Тейт Модерн», часть британской группы галерей «Тейт», выставляющих национальную коллекцию современного британского искусства, является вторым по посещаемости после Лувра музеем в мире по данным ежегодного отчета институции. В частности, в период с 2010 по 2011 годы его посетило более 7 миллионов людей.


Мультимедиа Арт Музей представляет выставку работ выдающегося испанского фотографа Альберто Гарсия-Аликса «Необратимость» с 10 сентября по 6 ноября 2011, Москва, ул. Остоженка, 16.

Творчество Альберто Гарсия-Аликса чрезвычайно автобиографично. Люди, изображенные на портретах, тесно связаны с фотографом личными отношениями: это его друзья, рокеры, поэты, музыканты и художники, любовницы, писатели и просто случайные попутчики. Его портреты отмечены высоким уровнем экспрессии и эротизма, а потому считаются скандальными и провокационными. Но за телесностью и артикулированностью форм скрывается нежность и редкая человечность. Прямолинейный, фронтальный характер его портретов с редкой выразительностью отражает сущность людей, жизнь которых находится на грани, чьи чувства обострены до предела.
Мгновения съемки фотограф называет волшебными, для него они являются самыми прекрасными в жизни: «Каждая фотография – это встреча. Когда я фотографирую людей, мне хочется наделить их достоинством. Фотографии – это документальные свидетельства моей любви к человеку на снимке», - говорит он. Существенную роль в его творчестве играют автопортреты, в каждом из которых заложен определенный образ, всегда разный по своей идее – в них фотограф пытается найти себя и открыть неизведанные грани своей личности.
Сегодня Альберто Гарсиа-Аликс – «прототип вечного хулигана», как он сам себя называет – признан одним из самых выдающихся испанских фотографов нашего времени. В 1999 году он удостоен испанской Национальной Премии фотографии, его работы находятся в коллекциях лучших музеев Испании, Европы и Америки, а выставки путешествуют по всему миру.
Альберто Гарсиа-Аликс родился в 1956 г. в Леоне (Испания) в семье врача. Отец хотел видеть сына юристом, но в двадцать лет Гарсиа-Аликс бросил колледж, покинул отчий дом и приобрел свой первый фотоаппарат. С этого момента начинается его фотографическая карьера, совпавшая с рождением новой эпохи в Испании, наступившей после смерти диктатора Франко в 1975 году. Именно в этом социо-культурном контексте ослабления тоталитарного режима зарождается испанское движение «Ла Мовида», охватившее музыку, фотографию, поэзию, живопись, кино. «Ла Мовида» - это расцвет альтернативного искусства, пронизанного духом долгожданной свободы. В унисон новой эпохе Альберто Гарсиа-Аликс изучает границы дозволенного, запечатлевая на пленке ночную жизнь Мадрида, байкеров, распутников, наркоманов и порнозвезд. Отныне всю жизнь его будут привлекать невоздержанные натуры – такие, как он сам.
Ранее запретная чувственность, интерес к темным сторонам жизни, отголоски революции 68-го и идеология хиппи, захлестнувшие постфранкистскую Испанию и получившие национальное преломление в Мадриде и Барселоне – все это формирует уникальный и узнаваемый художественный стиль Гарсиа-Аликса, который он позже назовет «одиночеством бреда». Он балансирует на тонкой грани вседозволенности в стремлении как можно глубже, сполна исследовать силу человеческих эмоций и ощущений. Он не просто снимает жизнь на камеру – он ее проживает, предлагая зрителю повествование от первого лица.


В ММСИ открылась первая столичная ретроспектива движения "Некрореализм", ставившего своей главной задачей довести до абсурда идеологию путем рассмотрения ее через смерть. Выставка продлится до 30 октября в Московском музее современного искусства.

"Идея выставки - показать художественное движение, зародившееся 25 лет назад в СССР, и которое сразу перевернуло основные идеологические ценности эпохи, например, превратив осмысленную смерть за Родину в бессмысленную. Некрореализм зародился в конце тоталитарной идеологии, в предчувствии ее близкой смерти, доведя до патологии основные ее ценности", - рассказала куратор выставки Олеся Туркина.
На четырех этажах ММСИ в Еромолаевском переулке представлены десятки картин художников-некрореалистов во главе с Евгением Юфитом, а также инсталляции и целая подборка короткометражек, фиксирующих все этапы развития течения, аналога которому в современном искусстве нет. В каждом зале потолок подпирают стволы (березы, сосны, осины), символизирующие связь некрореалистов с историей культуры.
"Мы поднимаемся от жизни к смерти: на каждом этаже живопись, кинозалы, инсталляции. И все повторяется, - повторение как главный принцип экспозиции", - добавила Туркина.
По ее словам, именно "бессмысленность" стала главным рычагом идеологизации этого искусства и его спасением от власти.
"Некрореализм был настолько тупым, что власть его не заметила", - пояснила куратор, уточнив, что идеи этого течения актуальны и сейчас: на борьбу с идеалами общества потребления "выступают звероподобные зооантропорфы, вооруженные чистым идиотизмом".
По ее словам, даже для "эпохи перестройки" это движение было настолько радикальным, что в стране его мало кто принял, а вот западному арт-миру оно сразу пришлось по душе. Например, некрореалистов, вместе с другими художниками из России в 1990 году показывали на выставке "В СССР и за его пределами" в Стеделик-музее в Амстердаме, затем эта выставка демонстрировалась в ЦДХ.
Рассказывая о том, как зародилось движение некрореализма, его основатель, художник и режиссер Евгений Юфит, пояснил, что все началось в начале 80-х с постановочной фотографии. "Я тогда занимался фотографией, имитировал сюжеты с элементами социального гротеска, черного юмора, пародируя господствующую идеологию того времени. Вызов идеологи происходил через нарушения табу на тему смерти, суицида", - пояснил он.
Юфит рассказал, как шаг за шагом он решил фиксировать на пленку перформансы. "Зимой мы часто ездили на электричках, но до последнего момента не было понятно, кто придет на съемки: веселый процесс, приходили люди, получались фильмы. Например, был фильм "Санитары-оборотни" 1984 года. Мы встретились на вокзале, кто-то пришел в белых халатах, кто-то в форме моряка. Потом моряк зашел в электричку, держа в руках пилу, за ним вбежали санитары в белых халатах, началась погоня, а за всем этим смотрят удивленные естественные статисты-пассажиры. Так легко и весело снимались ранние фильмы", - продолжил он. Начиная с 1989, Юфит сделал семь полнометражных фильмов, каждый из которых стал крупным международным событием. Первый же полнометражный фильм, "Папа, умер Дед Мороз" (1991), получил "Grand Prix" на Международном фестивале в итальянском городе Римини.
Сегодня некрореалисты уже почти классики, о них пишут исследования и защищают дипломные студенческие работы. А куратор основного проекта Московской биеннале Петер Вайбель назвал некрореализм одним из самых серьезных в сегодняшнем искусстве.


Выставка «Современное итальянское искусство середины ХХ века» представляет работы 15 художников в Московском Мультимедиа Арт Музее с 14 сентября по 6 ноября 2011 по адресу: ул. Остоженка, 16.

Выставочный проект «Современное итальянское искусство середины ХХ века» воссоздает атмосферу авангардистских и экспериментальных артистических поисков и представляет работы художников группы ZERO, движений кинетизма, спациализма, абстракционизма, группы N и группы T, исследовавших природу света, цвета, движения и пространства. Эти художники мыслили пространство искусства как «некую зону тишины и чистых возможностей для нового начала» (Отто Пине), противопоставляя собственное творчество индивидуализму информализма, неоэкспрессионизма и ташизма.
Выставка представит около семидесяти работ пятнадцати итальянских художников: Лучо Фонтаны, Пьеро Мандзони, Альберто Бьязи, Энрико Кастеллани, Агостино Боналуми, Дадамаино, Бруно Мунари и других. В экспозицию также включены архивные материалы - документы, манифесты, фотографии, - проясняющие творческие и личные отношения между самыми значительными художниками послевоенной Италии.
В начале 1960-х средств связи в современном понимании практически не существовало. Люди писали друг другу письма, потому что телефон стоил дорого, – и проще всего было общаться «вслух», тем более что художники постоянно перемещались по Европе и информация о выставках распространялась в «реальном времени». В Милане встречались в баре «Ямайка» в Брере, в Риме – в баре «Розати» на Пьяцца дель Пополо, в Париже – в кафе «Две макаки», а в Германии и Голландии в мастерских художников, пока Даниэль Споэрри не открыл в Дюссельдорфе бар-ресторан «Eat Art» в 1968-м.
Важным моментом в эволюции современного искусства в конце1950-х – начале 1960-х годов можно считать образование исследовательских групп, парадоксальным образом полностью автономных, в том числе и от самих художников. Первой такой «группой» стало движение спациализма (от итальянского spazio – пространство), основанное Лучо Фонтаной в 1946 году в Буэнос-Айресе, с первым теоретическим текстом, который получил название «Белый манифест». Вернувшись в Милан в 1947 году, Фонтана объединил художников и литераторов в архитектурной мастерской Роджерса, Пероссути и Бельджойозо, а затем в галерее Карло Кардацци «Корабль».
В Германии, в Дюссельдорфе, в движение ZERO объединились разные художники, которые – так же, как и в Италии – не были приняты традиционными галереями и устраивали однодневные выставки в собственных мастерских. В апреле 1958 года Отто Пине и Хайнц Мак издают первую книгу-каталог ZERO, естественно, с патетическим обличением информализма, неоэкспрессионизма и баухауза, превратившегося к тому времени в чистую графику и дизайн.


В ГМИИ им. А.С. Пушкина открывается выставка «Парижская школа» из музеев и частных коллекций Парижа, Женевы и Москвы.
 
Выставка пройдёт с 20 сентября по 20 ноября 2011 года в Галерее искусства стран Европы и Америки XIX-XX веков Государственного музея изобразительных искусств имени А.С. Пушкина.
Выставка-исследование художественного феномена Парижской школы. Этим термином в истории искусства ХХ века принято обозначать интернациональное сообщество художников нескольких поколений, начиная с 1900-х и до1960-х годов, для которых Париж стал не только культурной столицей Европы, но и своеобразной школой. Среди них такие всемирно известные мастера, выходцы из разных стран, как Пабло Пикассо (Испания), Амедео Модильяни (Италия), Марк Шагал (Россия), Xаим Сутин (Литва), Наталья Гончарова и Михаил Ларионов (Россия), Ван Донген (Голландия) и Моисей Кислинг (Польша), Константин Бранкузи (Румынии) и Леонар Фужита (Япония) и др. Именно здесь, в Париже, они учились - у французов, друг у друга, у художников прошлого, посещая музеи и частные коллекции города.
На выставке будут представлены живопись, графика, скульптура, фотографии более чем 50 авторов из собрания Национального музея современного искусства - Центр Ж. Помпиду (Париж), Музея современного искусства г. Парижа, Музея Иудаизма(Париж), Музея Пти -Пале (Женева), ГТГ, ГМИИ им. А.С. Пушкина, российских и зарубежных частных коллекций. Публика сможет увидеть такие оригинальные живописные произведения, как «Лолотт» и «Портрет Деди» Модильяни; полиптих «Испанки» Натальи Гончаровой (Центр Ж. Помпиду); работы «Маленький кондитер» и «Шафер» Хаима Сутина; «Портрет Поля Гийома» Ван Донгена (Музея Орсэ); «Юки, богиня снега» и «Укротительница львов» Фужиты и масштабную картину «Посвящается моим друзьям с Монпарнаса» Маревны (Музей Пти-Пале); а также скульптуры «Женщина, расчесывающая волосы» и «Португалка» Александра Архипенко (частное собрание); «Поцелуй. Семья» Ханы Орловой (Музей искусства и истории иудаизма) и другие уникальные произведения. Кроме того, на выставке будут показаны фотографии Манн Рэя, Брассая и других мастеров фотографии XX века.


Российская Неделя Искусств c 24 по 30 октября 2011 года пройдёт в Центре Современного искусства "М'АРС", (Пушкарёв пер., д.5.)

Также и в нескольких московских парках будут представлены работы авторов, специализирующихся в областях живописи, скульптуры, фотографии, графики и декоративно-прикладного искусства. 
 Данный конкурс проходит и в других странах: Украина, Белоруссия, Литва, Казахстан, Польша, Словакия, Испания (география данного проекта постоянно расширяется).
В конкурсе могут принять участие, как профи, так и любители. Все участники Недели Искусства получают возможность представить свои работы в выставочной программе, ориентированной на широкую аудиторию специалистов и ценителей в городах, в которых проводятся Недели Искусств. Статистика показывает большой интерес к представляемым арт-объектам со стороны жителей городов, корпуса городских департаментов, политиков, звезд шоу-бизнеса, общественных деятелей и меценатов. Оргкомитет проводит централизованный сбор потенциальных покупателей. Все работы участников Недель Искусства публикуются в Международных изданииях«Новые лица в Искусстве / New Faces in Arts», выходящем на нескольких европейских языках. Данный каталог распространяется в галереях Европы и Америки, на международных выставках и фестивалях. В каталоге публикуются фотоизображения арт-объектов, фотография автора и основные данные о творческой работе и ее создателе.


На свое 20-летие музей китайской культуры «Золотой дракон» в городе Бендиго (Австралия) получил в подарок новые помещения.

Бюро Woods Bagot, которое строило сам музей, спроектировало и пристройку. «Золотой дракон» был открыт на средства китайской общины Бендиго и бюджетные дотации штата Виктория в 1991 году. Здесь находятся предметы искусства и быта, привезенные переселенцами из Китая во времена Золотой лихорадки в 1850-е гг., а также бумажные драконы, которых изготавливают для уличных шествий  на праздник «Дуаньу». Жемчужиной коллекции является самый длинный и самый старый в мире императорский бумажный дракон Лоонг, созданный в 1892 году.
Новый трехэтажный корпус также - подобно дракону - обовьет южный фасад основного блока музея. По словам руководителя бюро Бруно Мендеса, он будет выстроен «в соответствии с принципами традиционной китайской практики Фэн Шуй, чтобы привлекать положительную энергию от расположенного с южной стороны городского Ботанического сада».
Снаружи все это здание будет покрыто металлической оболочкой-«кожей» с рисунком, напоминающим китайское колесо жизни. Внутри разместятся несколько дополнительных залов музея, ресторан, туристический офис, магазин сувениров и закрытые дворики с восточными садами. Несколько помещений также предназначаются для встреч и совместных мероприятий китайской общины Бендиго.


Organic Dwelling. Выставка Лидевью Эделькорт в Москве.

Так как мы находимся на пороге нового тысячелетия и новой эры в области экологии, наша цивилизация стоит перед выбором новой идентификации себя в философском, технологическом смысле, а также, поисков устойчивых путей, которые никогда ранее не были известны нашему обществу. Лидевью Эделькорт была приглашена Moscow Design Week  2011 в качестве куратора выставки, посвященной дизайну и архитектуре, а также для того, чтобы представить свое видение органического будущего.
Эделькорт видит то, что наши отношения с миром природы должны стать симбиозом, если мы действительно намерены выжить как вид. Беря уроки у природы, мы сможем имитировать ее развитые формы, мастерские техники и пользоваться проверенными знаниями природы.Наши древние корни трансформируются в современный образ жизни, при помощи анималистической моды мы сможем общаться с животными на совершенно ином уровне. Ведь, в конце концов, человеческий род – часть животного мира. Животные строят свои жилища в зависимости от способа жизни, с учетом географических и климатических условий, свое же вдохновение они находят в локально доступных материалах, а также совершенствуют свои врожденные навыки. Их жилища уважительны по отношению к природе, являются биологическими, самодостаточными и прекрасно вписываются в окружающую среду, выражая органическое состояние бытия, которое происходит естественным образом.Однако удивительно, это органическое шестое чувство не всегда органическое в своей форме: оно может иметь футуристическое, эргономическое и аэродинамическое направления.
На выставке будет исследовано, как дизайнеры и архитекторы применили органический язык, в то же время, применяя технологии. В качестве текстурной и тактильной структурной формы для исследования был выбран стул: на шоу будут представлены работы таких дизайнеров, как Steven Banken (Голландия), Nacho Carbonell (Испания), Alejandro Ceron (Швеция),  Studio Aisslinger (Германия), Studio Job(Голландия), Peter Marigold (Великобритания),  Nendo (Япония) и Martin Vallin для Cappellini (Швеция).
Посетители смогут оценить мультемедийные и аудиовизуальные презентации благодаря работе инновационных архитекторов – выходцев из четырех противоположных точек земного шара: Pieta-Linda Autila (Финляндия), Balkrishna Doshi (Индия), Helen & Hard (Норвегия), Terunobu Fujimori (Япония), Marcio Kogan (Бразилия), LAVA (Австралия), Longhi (Перу), Mass Studies (Корея), Monk (Голландия), North Design Office
(Канада), Pacific Environments (Новая Зелландия), Petr Parolek (Чехия), Wang Shu (Китай), Smiljan Radic (Чили), Peter Rich (Южная Африка) и Gert & Karin Wingardh (Швеция).
Также, в аудиовизуальную часть включены работы таких уважаемых архитекторов, как Shigeru Ban (Япония), Foster & Partners (Великобритания), Edouard Francois (Франция), Frank Gehry (С.Ш.А.), Zaha Hadid (Великобритания) and Herzog & De Meuron (Швейцария). Выставка Organic Dwelling будет продолжаться до 6 декабря 2011 и станет поводом первого визита госпожи Эделькорт в Россию. Открытие выставки будет отмечено лекцией Ли Эделькорт о lifestyle. Лекция будет проходить 12 октября в Сколково (Московская школа менеджмента).
Государственный Музей Архитектуры им. Щусева (известный как МУАР) был первым специализированным музеем архитектуры, основанным Союзом Советских Архитекторов в 1934 году. Расположен в непосредственной близости с Кремлем, коллекции отражают сотни лет Русской архитектурной истории, и несомненно, содержат национальные сокровища. В настоящее время в музее представлены разнообразные временные экспозиции Музей Архитектуры (MUAR), Москва. Выставка продлится с 12 октября до 6 декабря 2011.


Сорокалетие стрит арта отмечают на выставке в Монако и предлагают назвать его "прессионизмом".

Более 300 работ граффити из Европы и США выставил в Монако французский архитектор и коллекционер Ален-Доминик Галлициа, предложив новый термин для этого вида искусства - "прессионизм", сообщает сайт выставочного комплекса в Монако.
В 2009 году подобная выставка работ стрит-арта, организованная Галлициа и директором парижского выставочного дома "Гран Пале" в Париже, собрала более 80 тысяч человек, за ней, на волне интереса к стрит-арту, вызванного и творчеством неуловимого Бэнкси в том числе, последовала еще одна - в фонде современного искусства Cartier.
Термин "прессионизм" подразумевает "давление аэрозоля на улицы" и предлагает считать началом истории уличного искусства 1971 год, когда газета "Нью-Йорк Таймс" опубликовала первую статью о фирменных знаках граффити - "тегах" - и о уличном художнике Таки (Taki). В 1983 году художник Бандо (Bando) привез "теги" в Париж, и явление постепенно распространилось по всем континентам.
Экспозиция представляет собой панораму из боксов, в которых выставлены три коллекции произведений художников уличного искусства, в частности, там можно увидеть работы скончавшегося в прошлом году художника граффити и перформанса, хип-хоп музыканта Rammellzee, который вдохновлялся творчеством Жана-Мишеля Баскиа.


Выставка «Арт Москва» пройдет с 21 сентября - 25 сентября.

Богемные верхи наперебой обсуждают программу предстоящей 4-й Московской биеннале современного искусства, нетерпеливые знатоки делятся мнениями о присутствии "скандально" известного Ай Вэйвэя, а непритязательные любители со спокойствием ждут звездной осени, полной новых объектов, очередей и жалеющих прикоснуться к спорному современному искусству. Организаторы и участники определились с темой биеннале, с площадками, идеями, спонсорами, партнерами. А определились ли они со зрителями?
Оказывается, в рамках 4й биеннале растет некоторое множество весьма интересных и малообсуждаемых специальных проектов. Какие-то из них уже успешно реализовываются, например, "К вывозу из СССР разрешено" в Фонде "Екатерина", какие-то находятся в стадии уточнения, а какие-то с трудом собирают публику. Трудно определить, недоработка это организаторов или отсутствие интереса со стороны обывателя. Но мне, как человеку, который не хочет пропустить ничего важного или менее важного, было любопытно заглянуть на официальный сайт Четвертой Московской биеннале современного искусства и обнаружить то, о чем я и представления не имела.
Дадаизм крадется в Москву. Нет, скорее раскидывает сети по территории всей страны. Дадаисты стремятся поработить еще не рожденных русских детей и обречь их на вечное служение "Кабаре Вольтер".
Швейцарский художественный дуэт Com&Com намерен вручить 10 000 $ родителям, которые назовут своего ребенка Дада. Новоиспеченный Дада-вождь должен появиться на свет в сентябре-октябре текущего года и стать олицетворением дадаистских манифестов с самого 1916 года.  Существует мнение, что Ленин был завсегдатаем кафе "Кабаре Вольтер" в Цюрихе, играл на дадаистских вечерах на балалайке, декларировал стихи. Возможно, из-за такого родства выбор страны пал именно на Россию?!
Конечно, любой проект, созданный объединением художников и творческих личностей не может носить только коммерческий характер. Цель Gugus DADA (официальное название проекта) - создание мировой сети детей с именем Дада. В перспективе будут организовываться "съезды" Дада-детей (первый назначен на 2016 год - столетие со дня возникновения дадаизма как такового).


Открылась выставка ПОРТРЕТЫ НЕИЗВЕСТНЫХ из фондов Государственного музея изобразительных искусств им. А.С. Пушкина.

Выставка представляет 190 портретов (живопись, рисунок, миниатюра, скульптура) представителей дворянского и купеческого сословия России XVIII-XIX века, в разное время и при разных обстоятельствах поступивших в коллекцию музея с пометкой «портрет неизвестного лица», либо с мифологизированной или ошибочной аннотацией. Многие из героев этих живописных произведений навсегда могли остаться «неузнанными», если бы они не стали предметом заинтересованного и досконального изучения музейных специалистов и историков.
Как правило, портрет человека писался «для памяти ему близких людей, людей его любящих» (В.А. Тропинин), размещался в семейном интерьере и часто не нуждался в подписи – так формировались фамильные портретные галереи. В водовороте бурных событий ХХ века, особенно в революционные годы, когда разрушались и разорялись особняки и усадьбы, многие портреты, сберегавшие семейную и, в конечном итоге, родовую память, теряли свои «насиженные» места, корни, рассеивались по миру, оседая безымянными экспонатами в музейных собраниях и частных коллекциях.
Для любого музея приоритетно не столько количество экспонатов, сколько сумма знаний о них – в этом и заключается главный смысл научно-фондовой работы музея. Каждый экспонат в коллекции должен «заговорить», обрести свои «паспортные» данные. Идентифицированный портрет может «рассказать» о себе и о времени несравненно больше, чем его «молчаливый» аналог.


Тематика этого сайта: Картинная галерея, купить картину, купить скульптуру, аренда картин, картины художников, современное искусство, работы художников, живопись, скульптура, графика, выставки современного искусства, биографии художников, Государственный Эрмитаж, Государственная Третьяковская галерея, Русский Музей, Государственный музей изобразительных искусств им. Пушкина, коллекционирование, оформление интерьеров, портрет на заказ, антиквариат, арт галерея, куртуазный маньеризм, абстрактное искусство, эпический жанр, шокирующее искусство, неофициальное искусство, видеогалерея, Российский Союз Художников, меценат, биеннале, актуальное искусство, благотворительные акции, академическая живопись, инсталляция, экспрессионизм, женский портрет, детский портрет, парадный портрет, портрет по фотографии, moderm art, art gallery, Russian art, contemporary art.

ВНИМАНИЕ! Вход в Галерею Валентина Рябова - свободный, однако, посещение жилого комплекса "Золотые ключи-2" осуществляется по приглашениям. Не забудьте заказать пропуск перед Вашим визитом!

Страница галереи на YouTube

Страница галереи на Facebook

Страница галереи на Twitter


Поиск по сайту:


Радио ПРЕМЬЕР. Лос-Анджелес, США

Галерея-партнёр:


Hay Hill Gallery
(London, UK)